Blog

Das vom Event Horizon Telescope konstruierte Bild des schwarzen Lochs im Zentrum der Milchstraße (Bildnachweis: Event Horizon Telescope collaboration)

Auf dem York Boulevard in Los Angeles hängt ein verschwommenes schwarzes Loch an einer dunklen Wand, zu dem nur ein Paar Kopfhörer gehört, die das Echo der Kollision seiner Geschwister in einer Schleife wiedergeben.

Es ist ein vertrautes Bild des supermassiven zentralen Leerraums unserer Galaxie, und sicherlich eines, das im Laufe der Jahre weit und breit geflogen ist. Ich wette, Sie haben es schon gesehen. Journalisten (mich eingeschlossen) haben sich für dieses Bild begeistert und es unter Titeln wie „First Image of Milky Way’s Black Hole“ oder „Center of Our Galaxy Revealed“ (Erstes Bild des Schwarzen Lochs der Milchstraße) in aufregenden Nachrichten veröffentlicht. Universitäten haben es in Pressemitteilungen über die erdumspannende Reihe von Radioteleskopen aufgenommen, denen es zu verdanken ist, und Wissenschaftler haben es in aufsehenerregenden Studien veröffentlicht, wobei sie das Objekt liebevoll als das bezeichnet haben, wonach es aussieht: ein unscharfer oranger Donut.

In der Galerie OXY ARTS in Los Angeles sieht das abstruse Porträt von Sagittarius A* jedoch etwas anders aus.

Das Schwarze Loch mit einer Masse von 4,3 Millionen Sonnenmassen steht isoliert an der ihm zugewiesenen Wand und nimmt einen Platz außerhalb der üblichen astrophysikalischen Grenzen ein, sowohl im Kosmos als auch in der Wissenschaft, um sich der künstlerischen Kritik und Reflexion zu öffnen. Ich muss zugeben, als ich die Ausstellung zum ersten Mal sah, war mein erstes Gefühl, dass es merkwürdig ist, ein unbearbeitetes wissenschaftliches Bild des Kosmos in einer Kunstgalerie auszustellen, und vor allem eines, an dem die in der Galerie vertretenen Künstler nicht mitgewirkt haben. Es wirkte hohl und sogar ein wenig protzig. Aber nach einiger Zeit ließ ich mich erweichen.

Der absichtlich leere Bereich um den Rahmen von Sgr A* schien das konzeptionelle und visuelle Gewicht des Werks auf eine Weise zu unterstreichen, wie es der typische Online-Hintergrund aus Suchleisten und Google Chrome-Tabs für mich nie getan hat. Die Arbeit selbst war meiner Meinung nach nicht bahnbrechend, aber die Entscheidung, sie überhaupt an einer Galeriewand aufzuhängen, hätte es sein können.

Das brachte mich dazu, mich zu fragen, ob die Wellenlängen von Kunst und Wissenschaft dazu neigen, sich gegenseitig konstruktiv oder destruktiv zu beeinträchtigen, oder ob sie überhaupt dasselbe sind. Ein Beispiel: Etwas, das für die Kunst sehr wichtig ist, für die Wissenschaft jedoch nicht, ist die Idee der Individualität. Ein wahres Kunstwerk wird oft als nicht reproduzierbar angesehen, aber eine ideale wissenschaftliche Schlussfolgerung ist auf Replizierbarkeit angewiesen, um sich als universelle Wahrheit zu erweisen.

Andererseits ist eines der bekanntesten Beispiele für jemanden, der das Lied der Kunst und der Wissenschaft gesungen hat, Leonardo Da Vinci, dessen Meisterwerke auf den Prinzipien der Anatomie, der Physik und der Mathematik beruhen. Wäre es fair zu fragen, welche der beiden Disziplinen für Da Vinci zuerst kam? Welche sprudelte zuerst in seinem Kopf und rief die andere herbei?

Um ehrlich zu sein, weiß ich nicht, ob ich mit diesem Gedanken Wasser aus einem Stein gewrungen habe. Aber selbst wenn es so wäre, denke ich, dass auch daran etwas Interessantes ist. Der französische Maler Marcel Duchamp sagte 1957 in seinem Vortrag über Kunstkritik, dass „der schöpferische Akt nicht vom Künstler allein vollzogen wird; der Betrachter bringt das Werk mit der Außenwelt in Kontakt, indem er seine inneren Voraussetzungen entschlüsselt und interpretiert und so seinen Beitrag zum schöpferischen Akt leistet.“

Dies wird noch wichtiger, wenn wir darüber nachdenken, warum ich mir dieses Sgr A*-Exponat überhaupt angeschaut habe.

Eine Innenansicht der OXY ARTS-Galerie. (Bildnachweis: OXY ARTS)

Die Zuschauer

Im September letzten Jahres lud mich das Getty Museum sechs Tage lang zu seiner Veranstaltung PST: Art and Science Collide“ (Kunst und Wissenschaft kollidieren) in etwa 30 Galerien in Los Angeles, um die Ergebnisse einer Herausforderung zu sehen, die verschiedenen Künstlern und Kunstkuratoren gestellt wurde: Ausstellungen zu schaffen, die die Grenze zwischen Kunst und Wissenschaft verwischen. In einem Meer von Kunstjournalisten war ich einer der wenigen Vertreter der Wissenschaftsnachrichten – wenn nicht sogar der einzige -, der Leinwände und Skulpturen akribisch nach Spuren zeitgenössischer Entdeckungen und grundlegender Theorien absuchte, die ich sonst nur schwarz auf weiß zu lesen pflege.

Mit anderen Worten, ich kam als Außenseiter zu dieser Reise.

Fast sofort, am ersten Tag, wurde mein Status als Nicht-Kunstjournalist deutlich und verstärkte, ehrlich gesagt, das Impostersyndrom, das ich bei jeder Gelegenheit verspüre. Ich hatte nicht das Hintergrundwissen meiner Kollegen, wenn es darum ging, über aufstrebende Künstler zu sprechen, ich kannte die genaue Dynamik der Bürokratie in Kunstgalerien nicht, und mehr als einmal musste ich einen meiner neuen Freunde unbeholfen fragen, wie produktiv die Person war, mit der ich gerade gesprochen hatte. Ich verfügte einfach nicht über das nötige Fachwissen, um Kunst objektiv beurteilen zu können, und fand das gesamte Konzept der Kunstkritik sehr komplex und schwer zu durchdringen. Aber was ich hatte, war mein Wissen über die Wissenschaft.

So suchte ich pflichtbewusst nach Gleichungsfäden in der Kunst, die wir sahen – und sei es nur, um etwas zu haben, woran ich mich festhalten konnte. Ich behandelte sie wie eine wissenschaftliche Konferenz, und hier begann ich, über Duchamps Ideen nachzudenken.

Duchamp dachte über ein schwer fassbares Phänomen nach, bei dem ein Betrachter auf ein Werk reagiert, obwohl der Künstler technisch gesehen keinen Anteil an dieser Reaktion hat. „Dieses Phänomen ist vergleichbar mit einer Übertragung vom Künstler auf den Betrachter in Form einer ästhetischen Osmose, die durch die träge Materie, wie Pigment, Klavier oder Marmor, stattfindet“, sagt er, und ich denke, dass die Übertragung stark von den mentalen Wegen abhängt, für die man bereits prädisponiert ist.

Das Konzept erinnert mich an eine Szene aus der Fernsehserie „Mad Men“, in der jemand ein unglaublich teures Kunstwerk kauft, aber niemandem am Arbeitsplatz erlaubt, es zu sehen. Schließlich gelingt es einigen Personen, einen Blick darauf zu werfen, und sie stellen fest, dass es sich nur um eine ärgerlich schlichte Leinwand mit abstrakten roten Flecken handelt. Sie reagieren sofort, weil sie etwas konventionell Schöneres erwartet haben. Aber dann überlegt einer von ihnen, Ken, dass vielleicht die Reaktion selbst der Punkt ist. „Wenn man es anschaut, fühlt man etwas“, sagt er. Leider hat es der Künstler geschafft, ohne im Raum zu sein, Emotionen zu wecken und ein Gespräch über Ästhetik anzustoßen.

Bei diesen wissenschaftlichen Kunstausstellungen schien es, als ob die Kunstwerke von Natur aus sowohl künstlerische als auch wissenschaftliche Reaktionen der Betrachter erforderten, um ihr wahres Potenzial zu entfalten.

Die Fäden

Eine Ausstellung fand in Doug Aitkens Atelier für Industriekunst statt, wo Lichtfäden an der Wand abprallten, während ein Film auf dem Projektor des Künstlers lief, der beschwörende Tänzerinnen in einer Amazonasfabrik, Autofahrer auf dem Land und unzählige andere menschliche Erfahrungen zeigte. Ich fragte mich, ob die Quantenverschränkung etwas mit der Arbeit zu tun hat, denn Photonen sind Quantenpartikel, und Verschränkung bedeutet, dass diese Partikel miteinander verbunden sind, obwohl sie sich an verschiedenen Orten befinden. Das ist sogar möglich, wenn sich die Teilchen auf entgegengesetzten Seiten des Universums befinden, wie Amazon-Mitarbeiter in Lieferwagen und Milliardäre in Privatjets.

Jemand anderes, den ich auf der Ausstellung traf und der über Tanz schreibt, dachte jedoch nicht über Quantenmechanik nach. Er wies auf die Feinheiten der Bewegungen der Tänzer hin, und andere am anderen Ende des Raums schienen Aitkens musikalischen Entscheidungen und der Filmregie große Aufmerksamkeit zu widmen.

Im Hammer Museum gelangte man durch einen kleinen, verschleierten Raum zu einem großen Glaskasten, in dem lebende Bienen Wabenmuster auf Skulpturen bauen, die diese Muster in Kunstwerke umwandeln. Ich und drei andere sahen zu, wie eine Biene zum Boden des Behälters flog und eine ihrer toten Artgenossinnen nach oben trug, wo sich ein Tunnel zur Außenwelt befindet.

In einem anderen Raum dieses Museums befindet sich ein dynamisches schwarzes Loch in einem Raum, der eine Warnung vor Epilepsie enthält. Wir wissen nicht, wie Schwarze Löcher mit bloßem Auge aussehen, aber ich habe laut darüber nachgedacht, ob sie eine Epilepsiewarnung für diejenigen brauchen, die es vermeiden können, sich unter der Anziehungskraft des Nichts in nudelähnliche Streifen zu verwandeln – zum Entsetzen eines Schriftstellers, den ich traf, der versuchte, die auffälligen Farben der Ausstellung mit seinem Handy einzufangen, weil diese Farben auf seiner Handykamera auf merkwürdige Weise schwankten.

(Bildnachweis: Hammer Museum)

Nebenan konnte man sich auf den Boden setzen und den simulierten Geräuschen der Wildnis lauschen, während man ein Video der echten Wildnis vor einem simulierten Teich mit simulierten Wellen betrachtete. Ich blieb eine Weile dort sitzen und dachte darüber nach, dass dies ein Fenster in unsere Zukunft sein könnte, wenn der unkontrollierte Klimawandel unsere Welt verwüstet. Die Kunstwerke in der SCI-ARC-Galerie mit dem Titel „Views of Planet City“ (Ansichten des Planeten Stadt) verwenden echte Satellitenbilder und futuristische Videospielformate, um sich eine hypothetische Welt vorzustellen, in der die Menschheit in einer einzigen Stadt lebt, damit der Rest des Planeten sich erholen kann. Dies rührte mich zu Tränen, wie es die losgelösten Nachrichten über die Rekordtemperaturen nicht taten, und ich bemerkte, dass einige andere ähnlich reagierten.

Im Brand Library and Art Museum bewegten sich Grashalme, die mit mechanischen Blöcken auf dem Boden verbunden waren, entsprechend den Windmustern auf dem Mars, die vom Perseverance-Rover der NASA aufgezeichnet wurden. Die Bewegungen waren abgehackt, nicht weil der Wind auf dem Mars zerklüftet ist, sondern weil es Lücken in unseren Daten gibt, die durch Lücken im Schwanken des Grases dargestellt werden. Draußen war eine Wand mit leuchtend gelbem Klebeband in einem Chevron-Muster dekoriert, einem Klebeband, das die NASA verwendet, um Instrumente zu verpacken, die zu Orten weit jenseits der Erde fliegen. An einer anderen Wand befand sich ein Mikrochip mit den Namen von Millionen von Menschen.

Sie wurde inzwischen auf eine Reise zum Jupitermond Europa geschickt.

In seinem Vortrag betrachtete Duchamp die beiden Pole der Kunstschöpfung als „den Künstler einerseits und den Betrachter andererseits, der später zur Nachwelt wird“, wobei er dem Schöpfer und demjenigen, der Zeuge der Schöpfung ist und ihr Erbe antritt, im Wesentlichen das gleiche Gewicht einräumte.

Das Sehen oder Fühlen eines Kunstwerks kann in gewissem Sinne als Teil des Kunstwerks selbst betrachtet werden; dies wird komplex, wenn man bedenkt, wie viele verschiedene Menschen aus verschiedenen Generationen und mit unterschiedlichen Perspektiven als Betrachter fungieren werden.

Künstler David Bowen bei der Arbeit an den Grashalmen für die NASA-Ausstellung PST: Art and Science Collide Ausstellung. (Bildnachweis: NASA/JPL-Caltech)

Der wissenschaftlichen Kunst ist es gelungen, Bilder zu Bedeutungen zu liefern, über die ich schon lange konzeptionell nachgedacht habe, aber ich wünschte mir zutiefst, ich könnte diese Werke mit den Augen der Kunstwelt sehen, um zu erfahren, wie die Wissenschaft ihre Erfahrungen verstärkt, abgeschwächt oder seitlich eingewoben haben könnte. Doch die Individualität der Kunst spiegelt sich leider in der Individualität des kreativen Akts wider.

Das spürte ich besonders, als ich unter den silbernen Türmen von Olafur Eliasson stand und nach oben blickte. Es war faszinierender, als ich erklären kann; es schien, als ob Licht und Spiegel alles sind, was man braucht, um eine Welt zu finden, in der die physische Unendlichkeit zum Greifen nah ist.

Doch ich wusste, dass das nur der Wissenschaftsjournalist in mir war.

Dieser Ausflug wurde vom Getty Museum im Rahmen der PST: Art and Science Collide event.